8 octobre - 8 mars 2026
Une grande rétrospective consacrée à Alphonse Mucha, maître de l’Art nouveau et protagoniste de la Belle Époque. L’exposition réunit plus de 150 œuvres – affiches, peintures, illustrations et arts appliqués – et restitue l’ampleur d’un artiste qui sut transformer le langage graphique en art et faire entrer la beauté dans la vie quotidienne.
Palazzo Bonaparte – Piazza Venezia, 5
La manifestation se présente comme l’un des rendez-vous les plus attendus de la saison d’expositions internationale. Elle offre au public un parcours au cœur de l’univers créatif de l’artiste tchèque (1860, Ivančice (Moravie) – 1939, Prague (République tchèque), considéré comme le visage le plus reconnaissable de l’Art nouveau et comme un innovateur qui sut entrelacer esthétique, spiritualité et engagement social.
Le parcours embrasse l’ensemble de sa carrière : des célèbres affiches théâtrales réalisées à Paris pour Sarah Bernhardt aux cycles allégoriques, des esquisses pour bijoux et arts décoratifs jusqu’aux peintures monumentales de l’Épopée slave. L’exposition restitue la complexité de Mucha, non seulement illustrateur raffiné, mais artiste capable de traduire en images un idéal universel de beauté et d’harmonie. Pour le public, il s’agit d’un voyage qui permet de mieux connaître un auteur iconique, tout en révélant des dimensions moins connues de sa recherche.
Alphonse Mucha très jeune, il manifeste une inclination pour le dessin et la musique, un talent qui le conduit à étudier à Brno puis à Vienne, où il s’approche du monde du théâtre en travaillant comme décorateur de scénographies. Après un séjour à Munich, il s’installe à Paris en 1887 (dans le quartier de Montmartre), entrant en contact avec de nombreux artistes (dont Gauguin). La ville constitue alors la capitale mondiale des arts. Il s’inscrit à l’Académie Julian et à l’Académie Colarossi, fréquentant des milieux cosmopolites et innovants.
À cette époque, Paris vit le plein éclat de la Belle Époque : une ère de transformations sociales, de ferment intellectuel et de grandes expérimentations artistiques. Impressionnisme, symbolisme et naissance de la nouvelle affiche publicitaire coexistent dans un panorama varié, ouvert à l’hybridation entre arts majeurs et arts appliqués. Dans ce contexte, Mucha se distingue grâce à un style personnel qui associe le linéarisme fluide des décorations médiévales et byzantines à un sens raffiné de la couleur et du symbole.
Le succès arrive presque par hasard : en décembre 1894, l’actrice française Sarah Bernhardt a besoin d’une affiche pour le spectacle Gismonda, une pièce de Victorien Sardou. Mucha, engagé en remplacement, crée une image qui suscite un immense émoi par son format vertical, ses tonalités délicates et la figure élancée de l’actrice, enveloppée de motifs ornementaux. Cette affiche ne fut pas seulement de la publicité : ce fut une véritable œuvre d’art. Bernhardt en fut si frappée qu’elle signa avec lui un contrat de collaboration qui dura six ans. Dès lors, Mucha devient le protagoniste absolu de la scène parisienne, et ses affiches sont arrachées des murs pour être collectionnées.
L’art de Mucha se distingue par quelques caractéristiques constantes : l’usage de la ligne fluide, presque musicale, qui dessine figures et décorations ; la centralité de la figure féminine, souvent transfigurée en allégorie ; la richesse de motifs ornementaux inspirés de la nature, avec fleurs, rinceaux, étoiles et arabesques ; une palette lumineuse, aux tonalités pastel qui confèrent harmonie et légèreté. À ces éléments s’ajoute une forte composante symbolique puisant dans le mysticisme slave et les traditions populaires de sa terre d’origine.
La figure féminine constitue le noyau iconographique de l’art de Mucha. Il ne s’agit pas de simples portraits, mais d’incarnations allégoriques : les saisons, les arts, les vertus, voire des concepts abstraits comme l’espérance ou la musique prennent corps dans des femmes idéalisées, aux visages délicats et aux gestes solennels. Ces images, suspendues entre sensualité et spiritualité, deviennent des modèles visuels capables de synthétiser l’idéal esthétique de l’Art nouveau.
Avant Mucha, l’affiche était considérée comme un moyen éphémère de communication commerciale. Avec lui, elle devient une œuvre d’art à collectionner. Ses affiches transforment l’espace urbain en galerie à ciel ouvert, contribuant à diffuser une esthétique partagée qui touche un vaste public. L’art, par le biais de la graphie, sort des espaces élitaires des musées pour devenir expérience quotidienne.
L’Art nouveau naît comme réaction à l’éclectisme et à l’académisme du XIXe siècle, en proposant un langage unitaire fondé sur la ligne courbe et l’intégration des arts. En architecture, peinture, sculpture, design et arts décoratifs, s’affirme un idéal de beauté organique, inspirée par la nature et ses rythmes. Bien que reconnu comme visage emblématique de ce courant, Mucha occupe une position singulière : parallèlement à la dimension décorative, il développe une dimension spirituelle et utopique qui le distingue des autres protagonistes de l’époque.
En Italie, l’Art nouveau prend le nom de Style Liberty, avec des figures telles que Galileo Chini et Duilio Cambellotti. Malgré des langages différents, un parallèle s’impose : à l’instar de Mucha, les artistes italiens cherchent eux aussi à unir arts majeurs et arts mineurs, en promouvant une esthétique diffuse qui englobe le mobilier, la graphie, les arts appliqués. Cette comparaison permet de comprendre l’importance de Mucha à l’échelle européenne : il ne fut pas un simple illustrateur, mais le concepteur d’un langage transversal qui influença de nombreux domaines créatifs.
Mucha ne conçoit jamais son art comme un simple exercice de style. Même dans ses affiches les plus décoratives, on perçoit la volonté de créer des images dotées d’une valeur universelle, capables de parler à tous. Cela explique son évolution ultérieure vers des projets monumentaux comme l’Épopée slave, où l’art devient vecteur de conscience historique et d’aspiration politique. L’Art nouveau représente donc pour Mucha un point de départ, non un point d’arrivée.
Alors que d’autres artistes de l’Art nouveau privilégient la dimension ornementale, Mucha veut aller au-delà : pour lui, la décoration est le langage à travers lequel s’expriment spiritualité, identité et harmonie. En ce sens, son art se pose comme un pont entre sphère esthétique et sphère idéale, offrant un message qui conserve intacte, aujourd’hui encore, sa force.
L’exposition « Alphonse Mucha » au Palazzo Bonaparte est conçue comme une véritable rétrospective thématique qui accompagne le visiteur des origines parisiennes du succès jusqu’aux années de l’engagement utopique et politique. Plus de cent cinquante œuvres scandent le parcours, organisé en sections qui montrent la polyvalence d’un auteur capable de passer de l’affiche à la peinture, des arts décoratifs au design. La scénographie, soigneusement étudiée, recrée l’atmosphère de la Belle Époque tout en restituant la dimension spirituelle et monumentale de Mucha, avec des espaces dédiés à ses projets de plus grande envergure.
Le parcours s’ouvre sur la section qui rendit Mucha célèbre dans toute l’Europe : les affiches pour le théâtre. À partir de la célèbre Gismonda (1894), les travaux pour Sarah Bernhardt conquièrent Paris et imposent un nouveau standard esthétique. Figures élancées, motifs ornementaux, auréoles décoratives autour de la tête des actrices, couleurs raffinées : tout concourt à transformer une image publicitaire en icône culturelle. Importantes furent aussi les commandes de grandes entreprises comme Nestlé, Moët & Chandon, JOB, Ruinart, Perfecta et Waverley, qui eurent recours aux affiches publicitaires de Mucha.
Avec les affiches de Mucha, la ville elle-même devient une galerie à ciel ouvert. En flânant sur les boulevards parisiens, les habitants découvrent des images qui dépassent la fonction commerciale pour se faire art. Il n’est pas surprenant que nombre de ces affiches aient été décrochées des murs et collectionnées, témoignant d’un phénomène sans précédent. L’art se diffuse ainsi hors des musées, entrant directement dans la vie quotidienne.
La deuxième section de l’exposition est consacrée aux allégories, l’un des thèmes les plus caractéristiques de la production de Mucha. Des cycles tels que Les Saisons, Les Heures du jour, Les Arts constituent des exemples parfaits d’un langage où la figure féminine devient incarnation de concepts universels. Les femmes représentées ne sont pas des individus concrets, mais des symboles vivants, immergés dans des scénographies naturelles ornées de fleurs, d’étoiles et de motifs géométriques.
Ces allégories révèlent la volonté de Mucha de dépasser le simple donné esthétique. La décoration devient langage symbolique, capable de transmettre des valeurs spirituelles et morales. Les Saisons, par exemple, ne sont pas de simples évocations du cycle naturel, mais des méditations sur le temps, la vie et la beauté. L’art décoratif s’élève ainsi au rang d’outil de réflexion universelle.
L’exposition consacre un large espace à la contribution de Mucha aux arts appliqués. Ses collaborations avec des joailliers, orfèvres, céramistes et fabricants de meubles témoignent de sa volonté de faire de l’art une composante à part entière de la vie quotidienne. Esquisses pour bijoux, vitraux, objets d’ameublement présentent un talent capable de conjuguer esthétique raffinée et fonctionnalité.
Pour Mucha, il n’existait pas de frontière entre art « élevé » et art mineur : tout pouvait être transfiguré par la beauté. L’on reconnaît là l’influence du mouvement britannique Arts and Crafts, mais aussi l’originalité d’une approche qui met l’accent sur la valeur éducative et éthique de l’esthétique. Ses bijoux, par exemple, ne sont pas de simples ornements, mais des symboles chargés de significations culturelles et spirituelles.
Une section centrale de l’exposition est dédiée à Mucha peintre, trop souvent éclipsé par la renommée de ses affiches. Son œuvre la plus ambitieuse est l’Épopée slave, un cycle de vingt toiles de dimensions monumentales, réalisées entre 1910 et 1928. Dans ces compositions, l’artiste célèbre l’histoire et l’identité des peuples slaves, donnant naissance à un projet qui unit esthétique et politique.
L’Épopée slave n’est pas seulement un acte de fierté nationale : elle est la concrétisation d’une idée d’art universel, capable d’unir les peuples à travers la beauté et la mémoire historique. Financée par le mécène américain Charles Richard Crane, l’œuvre est conçue comme un don à la nation tchèque, mais son souffle est plus vaste : elle ambitionne de renforcer les liens spirituels entre les peuples et de proposer un idéal de fraternité.
La rétrospective comprend également des sections moins connues mais précieuses : dessins préparatoires, esquisses graphiques, photographies prises par l’artiste, illustrations pour livres et revues. Ces matériaux révèlent la méthodologie de travail de Mucha, son attention au détail et sa polyvalence. Non pas un artiste lié à un seul médium, mais un créateur qui sait se mouvoir avec naturel entre des disciplines différentes.
Mucha considère l’art comme un instrument d’élévation morale et culturelle. Ses œuvres décoratives, bien que d’une grande finesse, ne remplissent pas une fonction purement esthétique : elles entendent éduquer, inspirer, transmettre des valeurs universelles. La beauté, pour lui, est un langage capable de parler à tous, indépendamment du niveau social ou culturel. Cette vision le pousse à s’engager dans des projets monumentaux et à concevoir l’artiste comme guide spirituel de la société.
L’impact de Mucha se fait sentir jusqu’à aujourd’hui. Ses lignes sinueuses, ses figures féminines allégoriques, ses motifs ornementaux sont devenus des archétypes visuels qui continuent d’inspirer la graphie contemporaine, le design, la mode et même l’imaginaire pop. Loin d’être un artiste relégué à une saison historique, Mucha est un précurseur de la culture visuelle moderne.
Les affiches de Mucha sont redécouvertes dans les années soixante et soixante-dix par le mouvement psychédélique, qui en réinterprète les formes fluides et les couleurs vibrantes. Aujourd’hui encore, ses images apparaissent sur des pochettes de disques, dans des collections de mode, des illustrations numériques. Son influence témoigne de la capacité de l’art à traverser les époques et à se renouveler continuellement.
La rétrospective du Palazzo Bonaparte propose une vision complète de Mucha, présentant non seulement ses chefs-d’œuvre graphiques les plus connus, mais aussi des œuvres moins célèbres, des dessins préparatoires, des peintures et des projets décoratifs. C’est une occasion rare de découvrir la complexité d’un artiste trop souvent réduit au rôle d’icône de l’Art nouveau, alors qu’il porte en réalité une vision bien plus vaste et profonde. L’exposition accueille une invitée d’honneur des Musei Reali de Turin, la Vénus de Sandro Botticelli, personnification universelle de la beauté éternelle, ainsi que des œuvres de Giovanni Boldini, Cesare Saccaggi, des pièces de la Renaissance, des meubles et objets Art nouveau.
Visiter l’exposition, c’est s’immerger dans un univers esthétique d’une beauté extraordinaire, mais aussi réfléchir au rôle de l’art dans la société. L’harmonie des formes, la force symbolique des allégories, l’ambition utopique de l’Épopée slave invitent le public à s’interroger sur les relations entre art, spiritualité et communauté.
Conçues pour des espaces publics et pour un large public, les œuvres de Mucha conservent aujourd’hui encore cette dimension collective. L’exposition restitue la puissance d’images qui, bien qu’issues d’un passé de plus d’un siècle, continuent de parler avec fraîcheur et intensité. Une occasion de comprendre à quel point l’art peut contribuer à façonner l’identité et le sentiment d’appartenance.
À une époque d’images éphémères et de communication rapide, Mucha représente un exemple de la manière dont l’art peut unir rigueur esthétique et message universel. Sa leçon demeure actuelle : créer la beauté non pour quelques-uns, mais pour tous ; transformer l’ordinaire en extraordinaire ; faire de l’art un instrument de dialogue et de croissance. Des raisons plus que suffisantes pour ne pas manquer cette rétrospective.
Placée sous le patronage du Ministère de la Culture, de la Région Latium, de la Ville de Rome – Assessorat à la Culture, de l’Ambassade de la République tchèque et du Centre tchèque auprès de l’Ambassade de la République tchèque, l’exposition est produite et organisée par Arthemisia, en collaboration avec la Mucha Foundation et les Musei Reali de Turin. Le commissariat est assuré par Elizabeth Brooke et Annamaria Bava, sous la direction scientifique de Francesca Villanti.
Sous la direction d’Eleonora Luongo
Le parcours de visite est conçu pour guider les élèves à la découverte du langage et du style de l’artiste, en développant la capacité d’observer, de comprendre et d’interpréter les œuvres dans leur contexte historique et culturel. Grâce à des méthodes et des langages adaptés à l’âge, les participants seront accompagnés dans une expérience active qui unit curiosité, connaissance et créativité.
Pour l’école maternelle et primaire, la visite devient un récit visuel sur l’artiste et sur sa manière de transformer la réalité en image. Pour le secondaire, l’approfondissement se concentre sur l’analyse du style, des techniques et des influences culturelles. Pour les adultes et les groupes, le parcours offre une lecture critique de l’œuvre et du contexte historico-artistique dans lequel elle s’inscrit.
À l’issue de la visite, un dossier d’approfondissement est prévu afin de prolonger l’expérience éducative.
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